DERSU UZALA (Akira Kurosawa, 1975)
Tras el fracaso de "Dodeskaden", Kurosawa tardaría cinco años en estrenar un nuevo film. En adelante, se convertiría en costumbre: cinco años son los que separan "Dersu Uzala" de "Kagemusha", "Kagemusha" de "Ran" y "Ran" de "Sueños". Cuatro films en veinte años, periodo en que el director se mantuvo alejado de la órbita de la producción nipona: mientras que "Kagemusha" y "Sueños" contaron con el apoyo, en la distribución internacional, de Francis Ford Coppola, George Lucas y Steven Spielberg, "Dersu Uzala" llegó a los cines bajo pabellón ruso, haciéndolo "Ran" bajo auspicio francés.
"Dersu Uzala" fue la respuesta del autor a la grave crisis producida por "Dodeskaden" y que le había conducido, incluso, a un frustrado intento de suicidio: se trata de una bellísima historia de amor entre un cazador y su medio natural, donde Kurosawa filma, también, la conciencia de ese amor a través de la amistad con un general. Auténtico manifiesto de amor a la naturaleza en cada uno de sus telúricos fotogramas, "Dersu Uzala" es paradigmática de uno de los intereses que animarían la recta final de su filmografía: idéntica preocupación por la naturaleza la encontraremos en "Sueños" o en "Rapsodia en agosto" pues, no en vano, para el humanista Kurosawa, preocuparse por la naturaleza era preocuparse por el hombre.
Tras el fracaso de "Dodeskaden", Kurosawa tardaría cinco años en estrenar un nuevo film. En adelante, se convertiría en costumbre: cinco años son los que separan "Dersu Uzala" de "Kagemusha", "Kagemusha" de "Ran" y "Ran" de "Sueños". Cuatro films en veinte años, periodo en que el director se mantuvo alejado de la órbita de la producción nipona: mientras que "Kagemusha" y "Sueños" contaron con el apoyo, en la distribución internacional, de Francis Ford Coppola, George Lucas y Steven Spielberg, "Dersu Uzala" llegó a los cines bajo pabellón ruso, haciéndolo "Ran" bajo auspicio francés."Dersu Uzala" fue la respuesta del autor a la grave crisis producida por "Dodeskaden" y que le había conducido, incluso, a un frustrado intento de suicidio: se trata de una bellísima historia de amor entre un cazador y su medio natural, donde Kurosawa filma, también, la conciencia de ese amor a través de la amistad con un general. Auténtico manifiesto de amor a la naturaleza en cada uno de sus telúricos fotogramas, "Dersu Uzala" es paradigmática de uno de los intereses que animarían la recta final de su filmografía: idéntica preocupación por la naturaleza la encontraremos en "Sueños" o en "Rapsodia en agosto" pues, no en vano, para el humanista Kurosawa, preocuparse por la naturaleza era preocuparse por el hombre.
Otra película intimista a la par que naturista
que nos trae
Lord Velasco
Anita, cariño, entraste en el selecto olimpo de mis diosas pajilleras en el mismo instante en que pisaste el escenario. Cantar no sé si cantaste, pero perreaste más que las niñas del Chiki-Chiki y eso no tiene precio. Estas buenorra, la que más, te hubiera bastado con plantarte en el escenario para robarnos el alma a todos. Pero no, tú, que eres una artista, tuviste que perrear. Tu momento culo en pompa en lo alto de qué sé yo qué, quedará grabado en mi memoria igual que quedó en su día el momento pezón de Sabrina. No sé si cantaste salsa o bacalao, ni falta que me hace, Anita, cariño, para saber que tu canción fue sin duda la mejor...
Agghhh!!! Y que ahora tenga que ver esto!!!. Dios: si existe justiacia en este mundo deja ciegas a todas la adolescentes pedorras y las mariquitas locas que votaron a semejante maromo. Hay que estar muy ciega y muy sorda para poder apreciar algo así.
Supongo que como la mayoría de vosotros, me planté ante la pantalla del cine con una mezcla de excitación y temor. Lo primero, porque el señor Spielberg ha tardado 19 años en volver a ofrecernos otra aventura del carismático Dr. Jones. Y lo segundo, por el aciago recuerdo de lo perpretado por el señor Lucas con la segunda trilogía de las galaxias. Pero todo desapareció tan pronto como las luces de la sala se apagaron y comenzó la película, porque por suerte, Spielberg es infinitamente mejor director que Lucas, aunque a este último le debamos pleitesía por sus grandes ideas.
A partir de aquí, todo es puro goce cinematográfico. Acción, aventuras y humor. Todo encaja con precisión, como en la maquinaria de un reloj suizo, porque si Eastwood es el último de los directores clásicos, Spielberg es el mejor de los neoclásicos y controla en todo momento el tempo del espectador. Sólo un ejemplo, fijáos en la presentación de Indy: primero vemos el sombrero (otro icono), luego al hombre que es arrojado al suelo y, por último, vemos, a través de su sombra, cómo se yergue y se cala el sombrero mientras de fondo suena el Raiders March del maestro Williams. El héroe a vuelto. Si eso no es cine clásico, que baje Dios y lo vea.
Por no hablar de la entrada de Henry Jones III, que emerge entre las brumas de un tren sobre una moto emulando al Marlon Brando de Salvaje. ¿Se puede decir más de un personaje con tan sólo una imagen? A eso le llamo yo economía narrativa, una asignatura que muchos directores actuales tienen pendiente.
En fin, larga vida a Spielberg y a ese impagable Harrison Ford, otro clásico que hace bueno aquello de “quien tuvo retuvo”. Estupendo también reencontrar a Marion Ravenwood (Karen Allen), la mejor de todas las chicas Jones, y muy bien también Shia LaBeouf como pendenciero retoño del aventurero. Y por último, Cate Blanchett, limitada y encarcarada en su papel de Irina Spalko, a la que Spielberg convierte en una nueva Eva, castigada como aquella por querer acceder al conocimiento. “Quiero saber, quiero saber”, repite a modo de mantra la pobre Irina mientras el cabrón del alienígena le quema los ojos. No, si al final resultará que la mujer está condenada a la ignorancia hasta el infinito y más allá. Menos mal que sólo es una peli de aventuras y, como el resto de su trama, no hay que tomársela en serio. 
Querido Lengua y demás acólitos, ya que estáis sobrecargados de tanto análisis sesudo y ávidos de frivolidades varias, te envio estas fotos para que pongas algo ligero de la diva, no es la depilación del mostacho de Lourdes, pero también tiene su miga.
Los replicantes sienten: Rachael mira, desvalida, fotografías que hasta entonces había creído suyas; Batty llora, con punzante expresión, ante el cuerpo yaciente de Pris, llegando a besar su sangre. Precisamente es Batty quien protagoniza el instante más emotivo del film, mediante las inolvidables palabras dirigidas a Deckard después de haberle salvado la vida: 
¿Podría alguien no humano pronunciar esas palabras con el sentimiento con que lo hace Batty?. Batty es consciente de estar despidiéndose del mundo en el mismo umbral de su muerte. Y es ese sentimiento de angustia y de desesperación lo que acaba humanizando, finalmente, a todos los replicantes, trátense de Batty, Rachael, Pris, Zhora o Leon. 
Esta película, primer largometraje de Sean Ellis, es la versión extendida de un cortometraje de idéntico nombre que Ellis filmó en 2004 y por el que fue nominado a los Oscar. La trama es la siguiente: Ben Willis (Sean Biggerstaff), estudiante de Bellas Artes, sufre de insomnio como consecuencia del abandono de su novia, Suzy. Para hacer más llevadera la vigilia, empieza a trabajar en el turno de noche de un supermercado. Allí, durante la tediosa jornada laboral, Ben comenzará a fijarse en los trucos que cada uno de los emplados utiliza para hacer frente al aburrimiento de un turno de ocho horas, mientras trata de recomponer su vida sentimental y recuperar el sueño. Este sencillo argumento le sirve a Ellis para filmar un conseguido poema visual que reflexiona sobre la complejidad de las emociones a través del monólogo interior del protagonista. Y nos recuerda mediante una astuta y divertida puesta en escena, que nosotros pilotamos el tiempo y que por tanto, tenemos la capacidad de detenerlo para disfrutar de la belleza de un instante. No está nada mal, que inmersos como estamos en la vorágine cotidiana, Ellis nos recuerde que lo extraordinario está ahí, escondido entre los segundos de tu vida. Y si no te detienes para encontrarlo, es posible que te lo pierdas.
Extraordinaria compilación de obras del artista Edward Gorey, a quien desconocía totalmente y al que no dudo en calificar de descubrimiento. Hablar de sus maravillosas ilustraciones sería tarea fácil pero no lo es, sin embargo, referirse a su personalísimo verbo, nada convencional y, por momentos, huidizo y misterioso. Hablan de humor macabro, aunque no me parece la mejor forma de contemplar sus viñetas. Cualquiera de las obras incluidas en esta selección son motivo de felicidad, más acentuada si cabe en los casos de "La gelatina azul", "Las cuentas verdes" o "La broma estúpida".
Sin duda, el disco de La Prohibida fue una de las revelaciones del 2005. "Flash" es perfecto pop: refrescante, desinhibido, efímero (pero no tanto) e intrascendente (pero no tanto). Se escucha con tanto interés como con cómplice diversión. Además de la canción que da nombre al álbum, destacaría el tema "Amor eléctrico", la desprejuiciada versión de "C’est la Ouate" y los modos de cabaret de "En la pared".
Leyendo hace unos días la biografía que dedicara Ian Gibson al sedicioso Camilo José Cela, me llamó la atención la interesante observación de que el escritor gallego no era un autor que destacara por la creación de personajes memorables (a excepción, quizá, de Pascual Duarte y algunos de los que componen la famosa "La colmena"). Esa ausencia de profundidad en los personajes la atribuía Gibson al hecho de que Cela fuera un ególatra empedernido: en su entera obra, el único personaje era él.
